Amazonas...

Esta exposición, prorrogada hasta el 27 de abril, recoge una muestra de la pintura, fotografía y escultura, femenina desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo pasado. En concreto son 41 firmas distintas de mujeres desde 1880 hasta 1950. Todo ello en la calle General Perón, 41 edificio de la Fundación Mapfre.

Viajamos en el tiempo a mediados del siglo XIX donde las mujeres tenían grandes dificultades para lograr imponerse en un mundo dominado por los hombres y en el que, entre otros handicaps, les era vetada la entrada en las escuelas oficiales y el acceso a estudios superiores. Los visitantes a las exposiciones de la época al ver el nombre de una mujer anunciado en la entrada restaban interés a lo que venía a continuación y más de uno, hombres y mujeres, directamente omitían la visita.

Esta muestra, “Amazonas del arte nuevo”, recoge el arte expresado por la mujer en el cambio de siglo, XIX al XX, la etapa impresionista y expresionista, el realismo y surrealismo, el art-decó, el cubismo así como las vanguardias futuristas que provenían de Rusia.

Cabe destacar entre todas ellas según mi personal y discutible elección a …

Suzanne Valadon (Viena 1867 – París 1938)
Modelo y amiga de Pierre-Auguste Renoir y Henri de Toulouse-Lautrec, y madre de Maurice Utrillo, fue una pintora autodidacta muy admirada por Edgar Degas, su primer mentor y coleccionista. A comienzos del siglo, Valadon asistió al reconocimiento de su pintura y pudo vivir de ella, y también supo evolucionar del impresionismo à plein air a los realismos modernos de los años veinte, pasando por aprender las enseñanzas constructivas de Paul Cézanne.


Louise Breslau (Munich 1856 – Suiza 1927)
Socia fundadora del Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts, fue una pintora muy celebrada en su época, a pesar de que con el tiempo haya caído en el olvido. Su adscripción a uno de los principales salones parisinos la impulsó a realizar lienzos de gran formato, técnicamente bien resueltos y no exentos de ambición siempre desde unos parámetros estilísticamente algo más conservadores que el grupo impresionista y sus seguidores.

Meraud Guevara (Londres 1904 - París 1993)
Artista poco conocida, cuya obra se encuentra a medio camino entre la impecable pintura art decó de Tamara de Lempicka y el peso y la seriedad del arte figurativo alemán de los años veinte y el neoclasicismo italiano, con los que mantiene bastantes similitudes. Mantuvo contacto con Francis Picabia y fue muy celebrada en Francia por el crítico Waldemar Georges gran reivindicador de la figuración a ultranza.

Tamara de Lempicka (Varsovia 1898 - Cuernavaca 1980)
Pintora polaca discípula aventajada de André Lhote. Su obra se inscribe en la ola del art decó de los años veinte y treinta, del que es una de sus representantes más destacadas. Alcanzó rápidamente el éxito, realizando una producción portentosa, inscrita en un cierto decorativismo muy propio del estilo 1925, aunque décadas después, instalada en los Estados Unidos, cayó en el olvido. Fue una pintora de la alta sociedad y enamorada del lujo.

Romaine Brooks (Roma 1874 - Niza 1970)
Ya en el nuevo siglo, esta pintora americana cultivó un estilo peculiar, sensible, elegante y sofisticado, muy influido por Whistler y el simbolismo europeo aún en boga, aunque totalmente al margen de las nacientes vanguardias.

Kay Sage (Linn Sage, Albany, 1898 - Woodbury 1963)
Artista norteamericana situada en los márgenes del movimiento surrealista, dado que no llegó a ser plenamente aceptada por Breton. Compañera sentimental de Yves Tanguy a partir de 1939, se movió entre el surrealismo, la pintura metafísica y la abstracción, y supo crear un universo onírico de una gran riqueza iconográfica, llegando a superar al propio Tanguy; aunque, como en tantos otros casos, su obra quedaría siempre eclipsada por la fama de su marido.

Franciska Clausen (Averná, Dinamarca 1899-1986)
Pintora danesa alumna de Hans Hofmann, Alexander Archipenko y Wassily Kandinsky. Ingresó en 1924 en la Académie Moderne de Léger y Ozenfant, donde fue compañera de Marcelle Cahn y, como ella, participó más tarde en Cercle et Carré. Es una de las artistas más representativas del Purismo.

Frida Kahlo (Coyoacán, México 1907-1954)
Esposa de Diego Rivera, partió del realismo mágico, así como de la pintura popular y "naif", para recrear, paulatinamente, su singular y atormentado mundo interior. André Breton la llegó a considerar surrealista, pero ella negó esta adscripción incidiendo en su condición de pintora de la realidad que la envolvía. Con el tiempo, pasaría a ser uno de los iconos del arte del siglo XX, superando la popularidad del propio Rivera.

Pablo Picasso

Picasso, su vida…
Pablo Diego José Ruiz Picasso, nace un 25 de octubre de 1881 en la Plaza de la Merced, número 36 en Málaga. Su padre era profesor de dibujo en la escuela Provincial de artes y oficios, la Escuela San Telmo. Su infancia transcurre con dificultades económicas para en 1891 trasladarse a La Coruña. Cuatro años más tarde, en 1895 su padre obtiene un puesto en la escuela de artes y oficios de Barcelona y la familia viaja a la ciudad condal. Un año más tarde Pablo, instala su primer taller de pintura en la calle de la plata. En 1897, dos años más tarde, expone en Madrid obteniendo su primera mención honorífica por su obra “ciencia y caridad”.

En 1900, en la exposición universal de París, Picasso vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach quien se ofrece a comprarle toda su obra de un año. Será a los dos años cuando expone en una galería en París por primera vez para en 1904 trasladarse definitivamente a Paris. Comienza su “etapa azul”.

Picasso conoce y se hace amigo de Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Pasa tres años pintando con la enorme influencia de Cézanne. Pinta entre otras Las señoritas de Aviñon, una de sus principales obras cubistas.

En 1914 estalla la guerra y tras ella conoce a Olga Clochlova con quien se casa en 1918. Muere su amigo Apollinaire. Ya en 1930 gana el premio Carnegie con el que compra una lujosa villa campestre en Boisgelup gracias a la pintura de un viejo retrato de su madre, pintado años atrás, en 1918.

Conoce a Teresa Walter con quien mantiene un romance, del que nace su hija Maya. Su mujer comienza un escandaloso juicio de divorcio que el juez se niega a conceder. Pablo Picasso se enamora de Dora Maar.

Al estallar la guerra civil española, Pablo acepta la dirección del museo del Prado bajo el mando republicano para en 1937 pintar el Guernica en París. En 1944 se afilia al partido comunista en Francia y conoce a la pintora Francoise Guillot con la que convive hasta 1946. Es en esta etapa cuando más se dedica a la escultura y las litografías. Tiene dos hijos, Claude en 1947 y Paloma dos años más tarde.

En 1954 descubre a la adolescente Sylvette que acepta posar para sus retratos a cambio de uno de ellos de su elección. Un año más tarde conoce a Jacqueline Roqué con quien convive, antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO, La caída de Ícaro.

En 1961 se instala en Mougins y muere allí en 1973 a la edad de 92 años.

Picasso, su obra en el reina Sofía…
SALA 1. [nivel 1, edificio antiguo] (1895-1924) Periodo Cubista
En esta sala podemos ver las primeras obras del cubismo analítico. Las obras de los años 1929-1932 marcan un retorno al pastel y carboncillo. Podemos destacar el retrato de su hijo Paul, vestido de arlequín o La flauta de pan de 1923

SALA 2. [nivel 1, edificio ampliación] (1824-1935) Periodo Surrealista.
Podemos ver obras como “la Guitarra” hecha con chapa, lata y alambre y esculturas como Mujer en el jardín de 1928. El surrealismo impregna esculturas hechas con moldes e impresiones en yeso. A partir de 1930 aparecen con fuerza los desnudos.

SALA 3. [nivel 2, edificio antiguo] (1933-1951) Guernica.
Además de esta gran obra podemos ver gran cantidad de estudios y bocetos sobre la misma manifestando el compromiso de Picasso en la lucha que asoló la España republicana. Aquí también están varios retratos de Dora Maar y una serie de naturalezas muertas.

SALA 4. [nivel 0, edificio ampliación] (1847-1972) Obras de Postguerra.
Se nota el final de la guerra y la alegría de vivir. Podemos ver una gran diversidad tanto en temas, como en materiales. En esta sala se pueden admirar pinturas que retoman temas de Rembrandt, Tiziano, Velázquez, Delacroix o Matisse.

Esta es la mayor exposición referenciada a Picasso hasta la fecha, realizada en nuestro país, con obras de gran importancia procedentes del museo Picasso de París. Aquí podemos ver la evolución desde pinturas realizadas con tan solo 14 años hasta Los Mosqueteros hieráticos del verano de 1972 pocos meses antes de su muerte pasando por sus diferentes etapas. Esperemos que gracias a Picasso el Reina Sofía tome rumbo hacia el lugar que le corresponde en esta nueva etapa bajo la mano de su recién nombrado director Manuel Borja-Villel después de tan complicada elección.

CaixaForum, colección

La colección de arte contemporáneo de CaixaForum Madrid esta dividida en dos salas. En la primera sala a la que accedemos situada en la planta 2 podemos encontrar obras de gran tamaño donde predomina el llamado "arte povera" termino acuñado por artistas italianos, referido al empleo de materiales “pobres” como la basura, hojas, rocas, etc. Ejemplo de ello es el iglú de Mario Merz, un iglú de piedra sobre un armazón de hierro con un camino de entrada y otro de salida realizado con periódicos, metacrilatos y letreros de neón. También podemos encontrar pinturas neoexpresionistas de nombres como Miquel Barceló con un óleo de 2,85x4,03 y José María Sicilia, con un cuadríptico de 3,40x2,22 realizado en 1985, siendo esta la obra que más ha atraído mi atención en esta sala.

En la segunda sala podemos ver obras creadas en estas dos últimas décadas, tanto pintura como fotografía, montajes y escultura. Me han llamado la atención dos fotografías de la fotógrafa americana Cindy Sherman de enorme prestigio internacional, una pintura de Victoria Civera y muy en especial un óleo sobre tela de 2,30x5,30 llamado “El seductor”, realizado por Adriana Varejao en 2004, pintora brasileña que juega con las dimensiones, la profundidad, las luces y sombras y en este caso con las tonalidades azules que no pasa desapercibido. También resulta curioso el reflejo de la arquitectura en una obra de porcelana de Liu Jianhua donde retrata los nuevos edificios que están copando las ciudades de Shanghai y Beijing.

Amadeo Modigliani

Amadeo Clemente, nace en 1884 un 12 de julio en Liorna, en la Toscana italiana. Su familia judía, intelectual y aburguesada está atravesando la crisis económica mundial, cuyo cenit llega en 1890. Debido a esto su madre se ve obligada a impartir clases particulares y realizar traducciones.

Ya antes de nacer, con su madre embarazada, la familia tiene que mudarse a un piso más pequeño lo cual es posible gracias a una antigua ley que permitía que en un desahucio, la familia pudiera quedarse con todo lo que se encontrara encima de la cama donde estuviese tumbada una mujer embarazada. La familia aprovecha para guardar aquí las joyas, así como algún mueble y todo lo que pudiera tener algo de valor.

En 1898 contrae el tifus. Es en esos momentos con las fiebres donde ocurre su famoso sueño, que mas tarde relatará, que le descubre su carrera como artista. En 1900 contrae la tuberculosis y viaja por Roma, Nápoles, Capri, etc.

En 1909 ya residiendo en Montmartre, en París, realiza sus primeras esculturas mientras lleva una vida de desenfreno. En 1914 con 30 años de edad conoce a Paul Guillaume quien será el mecenas que le apoye durante muchos años.

En Junio conoce a Beatrice Hastings, con quien tiene una tempestosa relación sentimental durante dos años siendo su modelo durante ese tiempo.

Al estallar la gran guerra, Modigliani queda exento debido a su salud y en 1917 realiza la serie de 30 desnudos, siendo ya amigo intimo de Picasso, Foujita, Kisling, etc. En este año realiza su primera exposición individual la cual es clausurada en el mismo acto inaugural debido al erotismo de sus desnudos.
[Jeann Hèbuterne]
En ese mismo año, conoce a Jeanne Hébuterne de 19 años, yéndose a vivir juntos al poco tiempo a un piso cerca de Montparnasse. Debido a la inminente invasión por las tropas alemanas, abandonan Paris y se trasladan a Niza. Al año siguiente tiene una hija.

En 1919, Modigliani firma una promesa de matrimonio con Jeanne, quien está de nuevo embarazada. A finales de año cae muy enfermo debido a la tuberculosis lo que anula el viaje que tenía pensado para Italia.

El 24 de enero de 1920 contando con 36 años muere en Paris. Su amante Jeanne Hébuterne se suicida un día más tarde. Ambos son enterrados juntos en el cementerio de Père Lachaise ante muchos de sus amigos. La pequeña es adoptada por la hermana de Modgiliani que vive en Florencia. Mas tarde será una destacada biografista de su padre.

En su obra podemos ver las formas suaves, curvadas y alargadas, con trazos simplificados y definidos, de líneas sinuosas. Los tonos son calidos, visuales, los cuerpos y rostros anaranjados, mediterráneos. Sus motivos son los retratos y desnudos siendo su sello sus rostros ovalados. Parece ser que las figuras y mascaras de arte africano y camboyano del museo “l'Homme” de París dejaron huella tanto en su pintura como especialmente en su escultura.

En esta visita además de su obra podemos ver la de varios de sus coetáneos así como fotografías realizadas a lo largo de su vida. Una exposición admirable, sin duda.

Miguel Macaya

Miguel Macaya Ortiz nació en Santander en 1964, realizando estudios de escultura y pintura en Santander para después trasladarse a Barcelona, a la escuela Massana situada muy cercana de las ramblas. Su primera exposición profesional se realiza en la Sala Pancho Cossio en 1986 en su tierra natal. En 1992 obtiene la Beca “Delfina Studios Trust”. Esta beca establecida desde 1988 en Gran Bretaña le ha permitido estudiar y trabajar en Londres, donde ha pintado parte de su obra.
En esta exposición que cuenta con 50 pinturas podemos contemplar la lobreguez que enmarca casi toda su obra. Sus pinturas son en buena parte difusas, sin perfilar, los grises, blancos sucios y negros son la base de su paleta. Incluso algunos colores vivos como rojos y verdes se muestran tristes y apagados. Aún siendo de día la noche enmarca sus oleos. Dentro de los motivos destacan los toreros, unos sobre blanco y otros sobre oro. También los retratos que por la nariz, recuerdan a Quevedo, los austeros bodegones, sin olvidar a los animales, perros, cebras, caballos, pingüinos.

Su pintura es expresionista a la vez que barroca y recuerda en mucho a la época negra, tenebrista de Goya. El mismo reconoce sus influencias y habla de Goya, de Velázquez, de Zurbarán, Manet y Rembrandt. Asimismo señala que según va pasando el tiempo estas influencias se vuelven más notables.

Antonio Muñoz Molina es el autor del prólogo del catálogo de la exposición y autor de un libro que aún no ha visto la luz sobre su obra, quien define a Macaya como un... boxeador de Sombras.